Le Prix européen Art Explora - Académie des beaux-arts 2026

"Touch Beyond Sight", Jazdaa Polska!​, Pologne

Touch Beyond Sight cherche à poser les bases d’une technique chorégraphique tactile pensée pour la perception non-visuelle. S’appuyant sur notre travail artistique avec des participants aveugles et malvoyants, le projet explore le toucher comme source de mouvement, de créativité, d’attention et de connaissance. Plutôt que d’adapter les pratiques artistiques pour un public aveugle, le projet positionne les personnes aveugles et malvoyantes comme des experts, des détenteurs de connaissances et des co-créateurs qui développent un langage chorégraphique. À travers des laboratoires artistiques, des sessions de transmission aveugle-aveugle et des recherches collaboratives, les participants identifieront, testeront et codifieront partiellement des exercices sur les mouvements et le contact, des partenariats basés sur le toucher, des pratiques de mémoire corporelle, l’écoute kinesthésique et des méthodes d’orientation spatiale non visuelle. Une performance chorégraphique basée sur le rapport au tactile des participants fonctionnera comme un laboratoire artistique où la technique peut être réapproprié, observée et affinée. Au-delà du résultat artistique, le projet vise à établir une base de connaissances sur la danse, le toucher et la perception non visuelle. Grâce à des podcasts, des interviews, des publications en libre accès, de la documentation et une boîte à outils transférable, Touch Beyond Sight préservera les expériences sensorielles et créera des ressources pour les artistes, les chercheurs, les éducateurs et les communautés aveugles. Les participants peuvent renforcer leur confiance en soi, la conscience de leur corps et leur appartenance sociale, tandis que les principes peuvent plus tard inspirer des communautés neurodivergentes, des enfants et un apprentissage intergénérationnel. Le projet soutiendra la recherche et le développement de pratiques chorégraphiques tactiles à travers l’Europe.

© Photo : Bartosz Seifert

"Boundless Horizons", Frequenz__​, Allemagne

Le projet souhaite faire résonner musicalement la ville Lübeck en la transformant en un espace dynamique, en s'inspirant du 800e anniversaire des «Sept Tours» de Lübeck, site du patrimoine mondial de l’UNESCO. Les résidents sont invités à consacrer 30 minutes de leur journée pour écouter les cinq principaux orgues de la ville, mettant en lumières des moments de réflexion et de connexion.

Boundless horizons fera passer une commande afin de créer un travail innovant révèlant le caractère prospectif du projet. Cette initiative élargit l’expérience d’écoute en la rendant accessible dans les espaces publics, au-delà des lieux traditionnels prédestinés à cet usage.

Suite à cet évènement, une série d’installations interactives sera ouverte au public général dans les cinq églises et éventuellement dans les espaces publics. Des ateliers seront proposés plusieurs semaines avant de faire résonner les orgues dans la ville, permettant à un large éventail de résidents d’interagir avec des outils numériques innovants et de créer leurs propres paysages sonores. Ces activités exploitent les médias numériques comme un moyen puissant d'élargir la participation, de sensibiliser à l’environnement et de renforcer la cohésion sociale et l’esprit communautaire.

L’ensemble du programme est conçu pour se dérouler en une seule journée, avec des ateliers dans divers lieux culturels de la ville. Cette approche enrichit l’expérience culturelle et attire un public plus large.

© Photo : Courtesy of Frequenz__

"LIVING REGIONAL NEWSPAPER", RAMAGU​, Slovaquie

Transformer les habitants d’une région isolée en co-créateurs actifs de l’art en combinant le journalisme local avec le théâtre documentaire in situ.

La région de Zamagurie, géographiquement isolée, souffre d’un manque d’infrastructures culturelles et de la marginalisation de ses minorités locales. Notre projet vise à changer cette situation en impliquant directement ses communautés vulnérables, incluant différentes générations de Roms, de Gorals et de Ruthènes. Ils ne seront pas seulement des spectateurs passifs. En utilisant les ressources de notre journal mensuel et indépendant Zamagurské noviny, nous les formerons à devenir des « reporters communautaires ». Depuis leurs villages, ils recueilleront les transmissions orales, les témoignages intergénérationnels, les mythes locaux et les problèmes quotidiens.

Ce matériel documentaire authentique sera ensuite transformé en collaboration avec le théâtre primé RAMAGU en une représentation théâtrale in situ. La pièce ne sera pas mise en scène dans des salles traditionnelles, mais dans des lieux non conventionnels – cours, places et rues de village – ayant pour but de faire tomber les barrières entre artistes et publics.

Parce que ce modèle innovant a un énorme potentiel, nous allons créer un guide méthodologique international en anglais basé sur notre processus. Notre objectif est de fournir à d’autres régions rurales européennes un modèle sur la façon de renforcer l’inclusion sociale et l’accessibilité culturelle grâce à la co-création.

© Photo : Courtesy of RAMAGU

"Safe Passage", THEAMA, Grèce

Safe Passage explore la force durable d’une promesse : une obligation qui relie les personnes au-delà de la distance, de la séparation et même de la mort. Le projet crée un musée numérique accessible qui place les artisan·es réfugié·es et les artistes en situation de handicap en position d’auteur·rices de la production culturelle et donne corps à cette promesse à travers leur travail artisanal et leur performance. Des artisan·es réfugié·es et locaux·ales transforment des gilets de sauvetage et des embarcations récupérés, des matériaux autrefois porteurs d’une promesse de sécurité en mer, en sacs fabriqués à la main qui donnent accès au musée grâce à un code QR. Des artistes en situation de handicap et non handicapés incarnent cette même promesse dans une performance filmée autour du chant grec et balkanique Tou Nekrou Aderfou, présentée dans la première salle du musée. Les sacs seront distribués par l’intermédiaire d’institutions culturelles européennes, reliant ainsi le musée et ses créateur·rices à des publics dans toute l’Europe.

© Photo : Courtesy of THEAMA

"Kino Susidiv (Films by Our Neighbours)", Cinema and Culture Development, Ukraine

Kino Susidiv (Films by Our Neighbours) est un festival annuel gratuit à Oujhorod, une ville ukrainienne limitrophe de la Slovaquie et de la Hongrie, dédié au cinéma contemporain de six pays voisins : la Pologne, la Slovaquie, la Tchéquie, la Hongrie, la Roumanie et l’Autriche. Le festival promeut le dialogue interculturel à travers des projections publiques gratuites, des discussions et des événements accessibles, y compris des projections adaptées pour les publics neurodivergents.

En 2027, Kino Susidiv lancera l’Académie du cinéma de quartier, un nouveau programme d’engagement du public pour 15 adolescents des régions de première ligne et des territoires désaffectés d’Ukraine. Pendant une semaine de résidence à Oujhorod, les participants découvriront le cinéma européen contemporain, rencontreront des cinéastes et des professionnels de la culture d’Europe centrale et orientale, et recevront une formation pratique en développement du public, curation cinématographique et organisation d’événements culturels.

De retour à la maison, chaque participant organisera une projection publique gratuite et une discussion dans sa communauté, devenant ainsi un ambassadeur culturel local. Le projet transforme les jeunes publics en organisateurs culturels actifs, élargissant l’accès au cinéma européen dans les régions touchées par la guerre tout en créant un modèle reproductible de participation culturelle dirigée par les jeunes qui peut être adapté à travers l’Europe.

© Photo : Courtesy of Cinema and Culture Development

"Classic for Kids", Classic Unlimited, Roumanie

Cherchant à réduire les inégalités d’accès à l’éducation musicale et artistique pour plus de 1.500 enfants, le projet touche 20 petites communautés urbaines et rurales en Roumanie, confrontées à des barrières ethniques (notamment concernant les enfants roms) et géographiques (villages isolés et petites villes dépeuplées) ou aux prises avec des troubles du comportement, des difficultés d’apprentissage ou des problèmes socio-émotionnels.

Dans ces communautés marginalisées, l’infrastructure culturelle est totalement inexistante. La grande majorité des écoles que nous visitons n’ont pas de professeur de musique spécialisé et aucun instrument de musique, laissant les enfants complètement coupés de toute interaction culturelle.

Comme les écoles manquent d’infrastructures, notre « camionnette musicale » leur apporte de la musique. Voyageant avec un piano, des centaines de petits instruments à percussion et des mini-claviers, nous apprenons aux enfants à écouter et jouer de la musique. Mais surtout, nous leur donnons la possibilité de faire de la musique comme moyen de développer la créativité, l’interaction sociale et l’inclusion.

Nos spectacles musicaux sont conçus pour les enfants de 6 à 10 ans, mettant en vedette la musique classique et contemporaine écrite spécifiquement pour le jeune public, ainsi qu’un atelier musical sur mesure.

Le « Classic for Kids Musical Guide » élargit notre portée au-delà des 20 écoles que nous avons visitées, en fournissant aux enseignants des ressources précieuses pour enrichir leurs leçons de musique et aux parents des ressources éducatives musicales numériques.

© Photo : Courtesy of Classic Unlimited

"TRACES", DU Dance (NI), Royaume-Uni

Le projet donne la priorité aux jeunes, aux personnes âgées et aux communautés locales, en réunissant des participants qui ont rarement l’occasion de collaborer à travers des processus créatifs partagés. Ces groupes représentent différentes expériences vécues, perspectives et relations à la culture; créant des opportunités d’échange significatif et d’écriture collective diversifiée.

Le projet s’appuie sur les relations communautaires existantes de DU Dance (NI), en utilisant des programmes établis comme point d’entrée pour impliquer les participants dans le développement du travail. Cependant, le projet est intentionnellement conçu pour s’étendre au-delà de ces groupes. Leurs contributions serviront de lancement public pour l’archive numérique, avant d’élargir l’accès aux publics et d’inviter les membres du public à contribuer directement à l’espace par leur propre mouvement et interaction.

Les objectifs clés incluent la démocratisation de l’accès à la culture et aux technologies numériques. La danse et les technologies immersives sont souvent utilisées comme des outils spécialisés, institutionnels ou commerciaux. Ce projet les place directement entre les mains des communautés, en créant des opportunités pour que les gens façonnent, influencent et créent des expériences culturelles qu'ils perçoivent comme actuelles, pertinentes, accessibles et personnelles.

En combinant le développement communautaire, la participation du public et l’innovation numérique, le projet vise à atteindre un large échantillon de la société tout en veillant à ce que ceux qui sont traditionnellement sous-représentés dans les espaces culturels restent au centre du processus.

© Photo : KMPhoto

"RADIOACTIVITY", TERCEIRA PESSOA, Portugal

RadioACTIVITY établira le premier réseau national de radio pénitentiaire du Portugal, transformant cinq prisons en espaces d’écriture artistique à travers les arts radiophoniques participatifs.

Pendant plus de 18 mois, 80 à 100 participants incarcérés dans cinq prisons portugaises collaborent avec des metteurs en scène professionnels, des auteurs primés et des artistes sonores pour co-créer 20 œuvres audio originales — écrire des scripts, diriger leurs propres voix, enregistrer et monter la diffusion des morceaux de radio de qualité. Les œuvres circulent entre les prisons à travers un réseau national nouvellement créé, et sont diffusées publiquement sur Antena 1 (RTP), la station de radio nationale du Portugal.

Le projet n’introduit pas la culture dans les prisons. Il invite les personnes incarcérées à devenir des producteurs culturels — auteurs, interprètes et créateurs dont les voix atteignent des publics au-delà des murs de la prison.

Construit sur un modèle déjà experimenté dans la prison de Guarda entre 2022 et 2025, où une évaluation scientifique indépendante a documenté des améliorations significatives en matière de maîtrise de soi, d’auto-efficacité et d’intégration sociale chez les participants, RadioACTIVITY s’étend désormais à l’échelle nationale afin d’établir un modèle transférable pour les arts audio participatifs dans des environnements carcéraux — avec un potentiel de réplication clair à travers l’Europe.

© Photo : Jorge Carmona

"Dyptique: Le Voyage de Kristoffer", Ex Voto à la Lune, France

Inviter les enfants à devenir auteurs de leurs propres récits du monde grâce à un parcours immersif mêlant théâtre, sciences, philosophie et création numérique.

Le Dyptique: Le Voyage de Kristoffer invite les enfants et leur famille à observer, expérimenter, chercher et créer pour explorer les grandes questions de l'univers, développer leur esprit critique et découvrir le doute comme moteur de connaissance et de dialogue.

Le projet associe Kant, un spectacle utilisant magie et technologies holographiques, à un parcours immersif composé d’une expérience en réalité virtuelle, d’un labyrinthe cosmogonique (réalité augmentée & bibliothèque numérique) et d’ateliers de création collective.

Les enfants découvrent comment différentes civilisations, disciplines scientifiques et traditions philosophiques ont tenté d’expliquer l’origine du monde.

Ils sont ensuite invités à imaginer, raconter et réaliser de courtes vidéos mettant en scène leur propre cosmogonie. Ces créations audiovisuelles enrichissent une bibliothèque numérique accessible aux enseignants, aux familles et aux autres participants.

En favorisant l’expérimentation et la création partagée, Dyptique: Le Voyage de Kristoffer développe la curiosité et la capacité des enfants à s’emparer collectivement de questions universelles. Le projet propose ainsi une nouvelle forme de médiation culturelle où l’expérience artistique devient un espace de participation active, de transmission et de construction commune des savoirs.

© Photo : Maxime Lethelier

"Dictionary of Secret Sounds", L'Albero, Italie

Co-créé une nouvelle langue d’opéra accessible aux publics sourds et entendants.

En Italie, les tentatives de rendre l’opéra accessible aux personnes sourdes se sont largement appuyées sur la traduction d’œuvres créées à l’origine pour le public auditif en langue des signes. INCLUSIVE OPERA est une recherche artistique qui réunit des artistes sourds et entendants et les communautés locales pour créer un opéra-spectacle innovant. INCLUSIVE OPERA propose une approche différente : plutôt que d’adapter une forme d’art existante, il place la langue des signes, le geste et la culture sourde au cœur du processus créatif. Depuis 2021, un collectif d’artistes, d’éducateurs et de participants sourds explore la relation entre le son et le geste, la partition et le mouvement, le chant et la vibration, l’art visuel, la langue des signes italienne (LIS) et les visuels vernaculaires. À travers la méthodologie de l’Opéra communautaire, la recherche vise à développer un nouveau langage performatif inclusif et une « partition du corps », combinant le geste, le mouvement et la musique, réunissant les personnes sourdes et entendantes dans un coprocessus de création où aucune langue ou pratique artistique ne prévaut sur une autre. Les résidences artistiques impliquaient des danseurs, des musiciens, des étudiants, des communautés sourdes et des participants d’origines culturelles diverses.

Les prochaines phases seront la création du livret, la composition visuelle et musicale, le premier spectacle et la production finale.

© Photo : Action Collective

"Arte Ambulatorio", Cultura en Vena, Espagne

Arte Ambulatorio propose des expositions de qualité muséale, une médiation culturelle et une participation artistique dans les hôpitaux, atteignant ainsi les patients, les familles, les soignants et les professionnels de santé qui sont généralement exclus des espaces culturels traditionnels.

Développé par Cultura en Vena, Arte Ambulatorio est une exposition itinérante et un programme de médiation qui transforme les couloirs des hôpitaux, les salles d’attente, les zones de consultation et les unités hospitalières en espaces de culture, de rencontre et de bien-être émotionnel. Des expositions précédentes telles que "Goya dans un hôpital ?" et "Sorolla dans un hôpital ?" ont montré comment les grandes collections de musées peuvent être réinterprétées du point de vue de la santé, des soins et de l’expérience émotionnelle.

Cultura en Vena propose une nouvelle dimension curatoriale et participative d’Arte Ambulatorio : une exposition itinérante autour de Frida Kahlo, conçue spécifiquement pour les hôpitaux et activée par la médiation culturelle, des ateliers d’écriture créative pour les patients pédiatriques et des interventions musicales en direct. Pour le Prix européen, Cultura en Vena propose une première mise en œuvre de cette nouvelle phase dans un seul hôpital, sur plus d’un an d’activités culturelles.

L’univers artistique de Frida Kahlo offre un point d’entrée puissant sur des thèmes étroitement liés à l’expérience hospitalière : le corps, la douleur, la vulnérabilité, l’identité, la résilience, l’expression émotionnelle et les soins. Le projet vise à élargir l’accès à la culture, améliorer le bien-être émotionnel et humaniser les environnements hospitaliers.

© Photo : Action Collective

"River Elders", The Collective Foundation, Bulgarie

The Collective Foundation place les citoyens âgés de la ville de Sofia (65 ans et plus) au centre de la culture contemporaine, en les faisant collaborer avec des artistes en activité pour co-créer 8 oeuvres in situ dans l’espace public pour le festival Rivers of Sofia de 2027. Ces œuvres interprètent les perspectives des anciens sur les rivières urbaines, transformant des sites urbains négligés en liens reliant les générations.

Le projet associe 8 personnes âgées à 8 artistes contemporains spécialisés dans les médias visuels, tridimensionnels ou temporels. Ces duos passent par un processus d’incubation et de co-création pour produire chacun une œuvre originale, les personnes âgées étant au cœur du processus créatif.

Les 8 œuvres d’art deviennent ensuite des points d’ancrage pour une programmation interactive adaptée aux personnes âgées lors du festival Rivers of Sofia en 2027. L’objectif est d’engager au moins 100 participants actifs de plus de 65 ans, qui participent et contribuent à des expériences de narration et d’artisanat ; et plus tard, en 2028, d’augmenter par trois la part des aînés dans le public de notre festival.

L’ambition plus large du projet est de remédier au fossé générationnel dans les beaux-arts dans notre société post-communiste, où les citoyens âgés sont absents de l’art contemporain, à la fois en tant que créateurs et en tant que publics. River Elders renverse le statu quo mettant en avant les personnes âgées ce qui permet de compléter et enrichir l’art contemporain.

© Photo : Rivers of Sofia Festival, Sofia, Bulgaria, The Collective Foundation (Фондация Колективът). Photographer: Veliko Balabanov.

"ECHO", Fondation Kaloy, Grèce

Inviter les enfants âgés de 4 à 12 ans dans les communautés rurales grecques à se réapproprier leur patrimoine et à le restituer sous forme de musique, de couleur et de récit.

ECHO - Music, Colour & Ecology in Rural Communities est un programme participatif d’arts et d’écologie pour les enfants des communautés rurales et montagneuses de la région de Corinthie en Grèce. Une extension du programme de sensibilisation de la Fondation Kaloy « Pame Scholeio ! » , ECHO invite les enfants à devenir des auditeurs attentifs au monde qui les entoure - dans l’esprit du mythe d’Echo, la nymphe qui reçoit ce que la Terre lui offre et lui retourne transformé.

En travaillant avec une équipe interdisciplinaire de musiciens, d’artistes visuels, d’agriculteurs biologiques, d’éducateurs environnementaux et d’artisans, les enfants explorent trois dimensions interconnectées : le SON (écouter et recréer l’environnement sonore de la région), la COULEUR (découvrir les pigments naturels et le langage visuel de leur environnement), et l'ÉCOLOGIE (découvrir la biodiversité locale et les cycles saisonniers par un contact direct avec la terre).

Le projet se termine par un moment de partage avec le public où les enfants présentent leur musique, leurs images et leurs histoires à leur communauté - le moment du retour.

Le résultat est une boîte à outils en libre accès, transférable à n’importe quelle communauté rurale à travers l’Europe - une méthodologie vivante ancrée sur place, façonnée par la communauté et adaptable au-delà des frontières.

© Photo : Fondation Kaloy

"Community Storytellers - Lewisham Borough of Literature", London Writers Centre, Royaume-Uni

Un mentorat pour des résidents de Lewisham, âgés de 18 ans et plus, en tant que conteurs pour diriger leurs propres programmes d’écriture créative dans les communautés où ils vivent.

London Writers Centre a une grande ambition : faire de Lewisham le premier quartier littéraire du Royaume-Uni - un lieu où l’histoire de chacun compte. Community Storytellers est notre réponse aux souhaits des résidents locaux, qui montrent un intérêt évident pour mettre en avant les voix sous-représentées, créer des liens intergénérationnels et potentiellement initier une programmation communautaire. Ce programme pilote vise à :

- Renforcer les capacités de quatre conteurs communautaires grâce au développement de leurs compétences créatives et au soutien pour diriger cet atelier dans leurs communautés ;

- Célébrer les voix et les histoires locales à travers 420 opportunités de participation accessibles dans les diverses communautés de Lewisham ;  

- Mettre à l’essai un nouveau modèle de bénévolat pour les programmes littéraires communautaires, en fournissant des preuves et des enseignements sur la durabilité, la reproductibilité et le passage à grande échelle.  

Nous recruterons quatre résidents de Lewisham issus de communautés défavorisées en tant que conteurs communautaires, et nous associerons chacun d’entre eux à un écrivain-mentor expérimenté dont la pratique est ancrée dans le travail communautaire. Ensemble, ils concevront et animeront des ateliers d’écriture communautaire dans des espaces et avec les communautés auxquelles le conteur appartient déjà. Le projet pilote produira un rapport et une boîte à outils méthodologique en libre accès, lancés lors d’un événement de partage avec les parties prenantes et mise à disposition en ligne, soutenant ainsi une réplication plus large pour d’autres organisations.

© Photo : Kashif Haque

"WHERE IS MY SHIPYARD?", Gdański Archipelag Kultury​, Pologne

WHERE IS MY SHIPYARD ? est un projet artistique et social pluriannuel. Il s’adresse aux ancien_nes travailleur_euses des Chantiers navals ainsi qu’à un public international. Son objectif est de faire resurgir et de rendre visibles les histoires oubliées des ancien_nes travailleur_euses des Chantiers navals, qui ont contribué à façonner ce lieu et qui en sont aujourd’hui éloigné_es par les processus de développement et de revitalisation. Le projet répond à ce besoin par un geste symbolique: leur restituer ce lieu sous la forme d’une œuvre-manifeste artistique.

Le projet sera porté par l’artiste Jaśmina Wójcik. Un spectacle intermédial intitulé « WHERE IS MY SHIPYARD ? » émergera d’un processus en plusieurs étapes, fondé sur des relations de long terme avec les participant·es, la reconstruction de la mémoire sensorielle, la création et la collaboration avec les artisties locaux.

La première est prévue en 2028, en ouverture de la 30eme édition du Festival International des Théâtres de Rue et en Plein Air FETA (Gdańsk, Pologne), où le spectacle devrait être vu par environ 20 000 spectateur_rices.

© Photo : Karol Stanczak

"The Travelling Universe: Royal Observatory on Tour", Royal Observatory Greenwich​, Royaume Uni

Toutes les activités se dérouleront dans une grande tente spécialement conçue pour le projet, qui sillonnera le Royaume-Uni et se transformera en un véritable festival itinérant dédié à l’espace. La journée pourra commencer par des conférences illustrées ou des ateliers, se poursuivre avec un planétarium, un spectacle de lumière et de la musique live, avant de se terminer par une rave célébrant notre relation au système solaire.

Deller a carte blanche pour collaborer avec un réseau d’artistes du spectacle vivant et d’arts visuels, aux côtés d’astronomes et d’un comité consultatif composé d’enfants, afin de susciter chez le public émerveillement et fascination pour l’espace. En remettant en question l’idée selon laquelle « les sciences, ce n’est pas pour moi », le projet ambitionne de placer le « vous » au cœur de l’univers.

Le projet parcourra les quatre nations du Royaume-Uni — des parcs aux zones bénéficiant d’un ciel étoilé préservé, en passant par des sites sacrés et des festivals de musique, mais aussi des villes, des bourgs et des villages. Des programmes dynamiques et ludiques s’adapteront aux communautés locales à travers la danse, des récits cosmiques, des conversations, du cosplay, des animations scientifiques dans l’espace public et bien d’autres formats.

La tournée s’achèvera à Greenwich, à Londres, avec une grande place publique : une procession planétaire qui racontera l’histoire de l’astronomie à travers les différents points de vue des quatre nations du Royaume-Uni.

© Photo : Courtesy of Royal Observatory Greenwich

"Open Week", Opéra de Lille​, France

L’Open Week est un format inédit d’ouverture culturelle proposé quatre fois par saison à l’occasion des productions lyriques de l’Opéra de Lille. Pendant une semaine, du mardi au samedi en soirée, le Grand Foyer se transforme en espace de rencontres et de découvertes librement accessibles, sans réservation ni billet.

L’objectif est d’ouvrir largement les portes de l’institution et de susciter la curiosité en proposant une expérience conviviale, accessible et décomplexée de l’Opéra. Le public peut ainsi entrer dans le lieu indépendamment d’une représentation et découvrir autrement les œuvres en cours de création ou de répétition ainsi que les artistes de la production.  

Chaque édition s’appuie sur les thématiques de l’opéra en cours pour construire une programmation pluridisciplinaire mêlant rencontres avec les artistes, conférences, ateliers, initiations, propositions participatives, DJ sets ou encore interventions scientifiques et culturelles. Ces temps favorisent les échanges entre publics, artistes internationaux invités et acteurs du territoire.  

Entièrement gratuit, l’Open Week attire un public nombreux et diversifié, contribuant ainsi à faire découvrir l’art lyrique autrement.

© Photo : Frédéric Iovino

"NewImages OnTour x TUMO", NewImages​, France

NewImages OnTour x TUMO est un programme international développé par NewImages en partenariat avec TUMO – Center for Creative Technologies afin de favoriser la découverte de la création immersive auprès des jeunes publics. Le projet propose une programmation itinérante composée d'œuvres immersives, d'ateliers, de rencontres avec des artistes et de temps de médiation, directement au sein des centres TUMO.

Son ambition est de rendre la création immersive plus accessible tout en encourageant les jeunes à développer un regard critique sur les images et les technologies qui les entourent. À travers une approche participative, les participants découvrent de nouvelles formes de narration, expérimentent des pratiques créatives et échangent avec des professionnels du secteur.

Le projet s'inscrit dans une démarche de coopération internationale en s'appuyant sur le réseau des centres TUMO. Après une première phase pilote au Portugal, il a vocation à se déployer progressivement dans d'autres centres européens, afin de créer un réseau de jeunes publics engagés autour de la création immersive.

À terme, NewImages OnTour a pour objectif de faire émerger une nouvelle génération de spectateurs, de créateurs et de prescripteurs, tout en renforçant les liens entre les secteurs de la culture, de l'éducation et de l'innovation.

© Photo : TUMO Portugal

"L'autre retour", Bibliothèques Sans Frontières, France

En Ukraine, plus d'1,2 million de vétérans devront se réintégrer à une société dont ils se sentent parfois coupés, un défi que la population identifie comme le plus grand de l'après-guerre. Beaucoup d'entre eux, freinés par la stigmatisation, n'accèdent pas aux dispositifs de santé mentale formels.

Le projet "L'autre retour" propose un point d'entrée non clinique : la bibliothérapie. Dans un espace neutre, animée par des facilitateurs issus de la communauté des vétérans elle-même, la lecture devient un outil pour mettre des mots sur l'expérience de la guerre, à distance, sans s'y réexposer.

Les textes, dessins et carnets qui en naissent sont ensuite donnés à voir au public : une exposition itinérante, présentée dans une galerie en Ukraine, puis en France et à la Commission européenne à Bruxelles, qui transforme un travail intime en geste de reconnaissance.

Porté par Bibliothèques Sans Frontières, qui anime déjà un programme de bibliothérapie dans 5 bibliothèques de Kyiv, le projet documente sa méthodologie pour qu'elle puisse essaimer à d'autres villes ukrainiennes et aux publics affectés par la guerre.

© Photo : Courtesy of Bibliothèques Sans Frontières

"States of Being: Embedding Accessible Practice and Building Representation", FESTIVAL.ORG, Royaume-Uni

FESTIVAL.ORG rassemble les gens à travers l'art gratuit dans l'espace public - théâtre, danse, musique, cirque et installation. Notre mission est d'engager de nouveaux publics, en particulier ceux confrontés à des obstacles culturels, en co-créant des projets qui célèbrent les histoires locales, favorisent la fierté et relient les communautés.

Nous défendons l'inclusivité et l'équité, en démantelant les barrières, en particulier pour les artistes et les publics handicapés. Par le biais d'un programme annuel de partenariats et de collaborations internationales, de commandes, de productions, de tournées, d'engagement communautaire et de développement artistique, nous aidons les gens à s'épanouir et les espaces culturels à prospérer.

Notre festival international phare, le Greenwich+Docklands International Festival, salué par The Guardian comme « le meilleur festival gratuit de Londres », a accueilli plus de 2 millions de personnes au cours de ses 30 premières années. Depuis 2015, nous avons dirigé Global Streets, une tournée internationale gratuite des arts de la scène, intégrant le public dans 14 des régions les moins desservies culturellement en Angleterre.

En 2023, nous sommes devenus le premier festival du Royaume-Uni à recevoir le Statut Platine décerné par Attitude is Everything pour l'accessibilité.

© Photo : Chloe Loftus Dance and Greg D’Haillecourt